A Anatomia de uma Queda examina a influência que os detalhes revelam sobre a personalidade e circunstâncias durante um julgamento de homicídio. Sandra (Sandra Hüller), uma escritora alemã, é acusada de assassinar seu marido, Samuel (Samuel Theis), em sua cabana remota na França. No tribunal, o relacionamento dos dois é detalhadamente observado e exposto ao júri. Isso inclui seu filho adolescente cego, Daniel (Milo Machado Graner), a única testemunha do falecimento de seu pai; Daniel encontrou Samuel após uma queda de uma janela alta, deixando um padrão estranho de derramamento de sangue nos arredores e morrendo como resultado do golpe.
No entanto, antes que qualquer uma das histórias se desenrole, Triet e o co-roteirista Arthur Harari nos prendem com memórias e música, possivelmente a utilização mais divertida e estranha de uma canção de 50 Cent na memória recente. Uma versão instrumental de seu single animado de 2003 “P.I.M.P” é um elemento chave da trama! Junto com o diálogo do tribunal, esses detalhes desempenham um papel tão essencial na descoberta das identidades dos personagens, inseguranças e, se possível, o seu verdadeiro eu.
O longa metragem mostra atuações e sequências de julgamento.
Sandra está obrigada a adotar táticas legais que não se alinham com suas opiniões a respeito de Samuel, devido à enfática exigência do ministério francês e seu incansável promotor público (Antoine Reinartz). Esta situação está criando crises de consciência para ela e Daniel, que fica cada vez mais inseguro do que acreditar.
Quando Sandra é posta sob julgamento, é forçada a usar o francês quebrado, língua materna de seu marido, mas sua terceira língua. Ocasionalmente, ela desliza para o inglês, o que mantém sua condição de desvantagem durante a maior parte do filme. Seu amigo pessoal, Vincent (Swann Arlaud), que é seu advogado, tem pouca escolha, a não ser abraçar a história de um suicídio de Samuel, pois seria difícil provar acidentalmente a queda de sua oficina do sótão para um júri. Com sua liberdade dependente da decisão, ela é forçada a concordar com essa versão, o que deixa um gosto amargo em sua boca, mas também ajuda a ver Samuel de uma nova perspectiva.
As camadas não intencionais para cada personagem não envolvem enredos complicados, pois não seguem a estrutura esperada de set-up/pay-off. Estes são, na verdade, percursos narrativos que ajudam a reinterpretar o casamento do casal e o que o público pensa dele. Na verdade, tudo que temos de Samuel são reconstruções; ele não aparece na tela até que ele morra, e tudo que temos é a lembrança das outras pessoas dele e as gravações secretas que Triet fez de algumas discussões dele e de Sandra.
Com seu casamento tendo estado nas rochas por algum tempo, talvez mais do que o público ou Daniel percebeu, Sandra vem cada vez mais sob ataque, como Reinartz desliza seu caminho através de cada monólogo acusatório, lutando uma batalha justa que ainda o faz sair como totalmente detestável. Ele também ajuda a Hüller, em seu papel como Sandra, a tentar acertar um equilíbrio cauteloso entre o público e o privado do personagem, embora ela muitas vezes escorregue e racha sob pressão. É uma actuação profundamente vulnerável, que não apenas ensopou na dor da morte de um cônjuge e na ansiedade de ser acusado do seu assassinato, mas que faz disto um processo contínuo, deixando-a no final da sua corda. Quando o personagem, em um momento particular, diz: “Estou tão cansado de chorar. É muito ridículo, é tão cansativo,” você acredita plenamente que a premissa do filme – para a qual acabamos de ser introduzidas – tem sido afastá-la por um ano.
No entanto, a arma secreta do filme é indiscutivelmente Machado Graner, um artista infantil que assume uma tarefa monumentalmente madura, incorporando não apenas a agonia incontrolável de perda, mas a confusão e suspeita do personagem em torno do que resta de sua família. Ninguém quer acreditar que sua mãe é um assassino, muito menos que o casamento de seus pais estava longe de ser perfeito. Mas o Daniel está tão desesperado por ter um terreno sólido debaixo dos pés que está disposto a abraçar qualquer possibilidade, mesmo a mais monstruosa, se isso significa ter alguma certeza de novo. Machado Graner, portanto, compreende em todos os resultados possíveis assim que eles surgem, embora cada novo pedaço de evidência só parece confundir ainda mais Daniel, forçando o jovem ator em um estado constante de busca – que, também, sem o uso da visão do personagem.
Triet fixa a câmera em Daniel durante muitas cenas do tribunal, usando somente suas expressões e o diálogo dos outros personagens fora da tela para guiar o movimento da câmera, que gira ao redor dele enquanto novas informações são apresentadas. Esta abordagem diferente do cinema tradicional não só acrescenta um toque de realismo à experiência, mas ao mesmo tempo desorienta o espectador. Além disso, a abordagem também mantém Machado Graner no quadro o máximo possível, ligando-nos à sua vulnerabilidade.
As representações e a comunicação ajudam a expor os dilemas das personalidades e modos de pensar envolvidos, no entanto, muitos detalhes do projeto e o efeito de certos enigmas tendem a alterar o contexto dos julgamentos, que adquirem caráter variável. Quanto mais tempo passar, maior a área abrangida pela acusação, não só para o casamento de Sandra e Samuel, mas também para suas carreiras literárias, sua relação com seu filho e até mesmo para a feminilidade e a sexualidade de Sandra.
A estrutura de uma queda desafia a feminilidade de Sandra.
No início, o julgamento segue a evidência física da morte de Samuel, mas quando as coisas não se acrescentam conclusivamente de qualquer maneira, ele assume uma narrativa mais apontada. Sandra, o filme revela casualmente, é bissexual, algo do qual sua família sempre tem consciência, mas é um elemento de seu passado usado para envenenar o tribunal de opinião pública contra ela quando perguntas de sua infidelidade surgem. No início do dia da morte de Samuel, ela é entrevistada por uma jovem repórter feminina, e suas interações — que parecem flertes, mas apenas casualmente assim — tornar-se evidência também, de implícita impropriedade e potenciais argumentos entre o casal. (Samuel também parece sabotar esta entrevista tocando “P.I.M.P.” em um volume irracional.)
A feminilidade de Sandra é colocada em dúvida de maneira explícita e de maneiras mais sutis que ainda são sinistras. Seu sucesso é visto como um empecilho para Samuel, que luta para se estabilizar profissionalmente. Esse subplot ajuda a entender Samuel como um personagem dinâmico, mas é o promotor que obtém o destaque. O editor Laurent Sénéchal montou as cenas do tribunal de forma inteligente deixando margem para a possibilidade de que o promotor seja vítima de algum tipo de supercompensação.
Apesar de um desempenho completamente seguro de Reinartz, a linguagem cinematográfica em exibição pokes o mais pequeno de buracos no que parece uma quantidade conhecida — uma perspectiva e motivação que se sente inteiramente certa. Sabemos o que o promotor quer, assim como sabemos o que todo personagem quer, mas elementos sutis de dúvida rastejam seu caminho para dentro das bordas da tela. Da mesma forma, a forma como Sandra se apresenta (o que quer dizer, a forma como ela é projetada e apresentada) parece pronta para apresentar dúvidas semelhantes, embora estas possam ser mantidas pelo público em vez de qualquer personagem específico. Seu corte de cabelo curto e calças cinzas são a antítese de uma imagem arquetípica da feminilidade ocidental, o tipo que, em uma narrativa de tribunal, pode procurar agradar um júri mais conservador.
Os jurados não veem o filme como indivíduos, mas é difícil não se perguntar se alguém no banco de julgamento pode olhar para Sandra com desdém por causa de sua raiva, ou inconscientemente a interpretar devido a seu aspecto masculino, como alguém que é mais propenso à brutalidade. No fim das contas, cada prova aponta para isso e outros preconceitos, e mesmo para o público, é difícil não ponderar os conceitos que o filme apresenta, plantando assim dúvidas na mente dos espectadores.
O som criado por Justine Triet é notável.
A análise da queda de Sandra não é afetada pela culpabilidade ou inocência dela. Na verdade, o filme representa seu ponto de vista inicialmente, enquanto suas inquietações se concentram no efeito que as diferentes perspectivas dos fatos terão no julgamento. O filme é uma mistura de antropologia e intriga, com informações e detalhes que fazem com que o público se pergunte: “Como isso será visto pelo júri? E quais serão as consequências para o filho de Sandra?”.
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Um modo particularmente linguístico de conseguir isso é através da música, e mais especificamente, da constante repetição instrumental de 50 Cent “P.I.M.P.” A primeira vez que é ouvida, pode ser um desagrado ou até um motivador, projetado para interromper ou sabotar. A canção não é muito importante no começo, quando Samuel a canta na cena inicial durante a entrevista com Sandra – é uma ocorrência bizarra que toca sutilmente na saudade início da década de 2000, mas quando a faixa se torna uma parte da prova no julgamento, todos os seus possíveis significados devem ser analisados de forma compulsória, caso alguma compreensão possa ser extraída, não importa o quão insignificante.
A princípio, parece uma tarefa completamente louca, mas quando deciframos o filme com seus próprios termos, uma série de novas possibilidades aparecem, não importa o quão estranhas elas sejam. Como a sátira do promotor, a natureza sexualmente propícia da música que imediatamente coloca a entrevista em um contexto que nunca tinha sido considerado antes e, com isso, inúmeras leituras podem ser feitas para dar um novo significado ao caso, ainda que essas interpretações sejam extremas.
As letras ausentes da canção, como “Eu não sei o que você ouviu sobre mim” ou “Mas uma puta não pode tirar um dólar de mim”, inadvertidamente informar os temas do filme de insinuação e especulação, ou suas suspeitas em torno do seguro de vida de Samuel? Os seus tambores de aço caribenhos — um contraste imediato com o ambiente frigid de Sandra e Samuel — falam com algum tipo de desejo de escapar? E é o título do álbum que pertence, Get Rich ou Die Tryin’, apenas uma ironia infeliz dada a carreira de Samuel dwindling, ou isso também, gesto em algum tipo de intenção críptica em seu nome? Tudo isso se sente como muita investigação em um único detalhe divertido, mas é um detalhe que se repete constantemente, em um filme cuja trama está transbordando com personagens analisando qualquer possibilidade, se isso significa aproximar-se de algum tipo de verdade, seja legal ou espiritual.
Talvez o significado por trás do uso da canção seja tão misterioso quanto o questionamento de se é realmente algo que devemos estar observando em primeiro lugar. A única maneira de processar as provas contraditórias é aceitando essa incongruência, pois de outra forma o seu insondável pode enlouquecer – assim como acontece com Daniel, um jovem que está desesperado por uma reconciliação com um padrão familiar que faz sentido. Como o mundo de Sandra é invertido, o seu também é jogado em desarranjo semelhante, tal como evidenciado por outra melodia que ele tenta lembrar no piano – Asturias de Isaac Albéniz (Leyenda) – mas não consegue tocar completamente, como se algumas de suas notas estivessem fora do seu alcance.
Aquela arritmia externa sintetiza os sentimentos mais íntimos de Daniel, que ele ainda não sabe como verbalizar ou expressar para as outras pessoas. Ele ainda não tem a capacidade de avaliar informações da mesma maneira que os adultos à sua volta, porém assistir ao seu lento progresso nessa habilidade é uma das partes mais emocionantes de Anatomia de uma Queda – para além da possibilidade crescente de que ele chegue a conclusões que abalarão o seu relacionamento com Sandra. Ela também tem consciência disso, e o modo como ela o vigia durante o julgamento torna a questão de o que vai ser de mãe e filho tão urgente e empolgante quanto o mistério por trás da morte do pai.
“Anatomia de uma Queda” foi exibida fora do Festival de Cannes, onde arrebatou o Palme d’Or. Estreia nos cinemas em 13 de outubro.
Temas: Filmes, Livros, Músicas
